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[근대] 바로크음악 (브리)
바로크 17세기가 시작되면서 음악사에서 아주 극적인 전환점이 이루어진다. 바로크 시대는 대략 1600~1750년경을 풍미하던 웅장하고 극적이며 활력 있는 예술정신으로 대표된다. 새로운 시대정신은 광범위한 음악 어휘를 요구했고 새로운 기법들이 특히 성악음악의 분야에서 급속도로 발전했다(→ 색인 : 스틸레 안티코, 스틸레 모데르노). 음악 어휘의 확장으로 종교음악과 세속음악, 성악어법과 기악어법 사이의 구별이 명료해졌고, 각 나라들의 민족적 차이도 뚜렷해졌다. 17세기에 걸쳐 이전까지 선율 및 화성의 기초로 작용해온 중세 선법이 점차 장조·단조 조성음악 체계로 대체되었고, 음의 이러한 조성 원리는 장차 1900년경까지 계속 서양음악의 중심 원리로 작용했다. 새로 대두된 조성음악 체계는 장조·단조 음계로부터 유도되는 서로 관계되는 일련의 음·화음과 대조되는 조성에 기초했다. 이 시대의 음악을 전체적으로 조망해보면 크게 2개의 새로운 혁신에 따라 이전 르네상스의 음악과 구별됨을 알 수 있다. 그중 하나인 콘체르타토 양식는 성악·기악의 대조, 결합, 교대에 의한 것이고, 나머지 하나인 계속저음(basso continuo)은 첼로나 바순과 같은 베이스 악기와 건반악기 혹은 류트에 의해 처리되었다(→ 색인 : 콘체르타토 양식, 계속저음). 이 시대에 새로 대두된 가장 전형적인 것은 그리스 비극의 음악적 이상과 실제를 재창조하고 모방하려는 뜻에서 피렌체의 귀족 문예집단인 카메라타가 고안한 오페라였는데 이들을 지배한 철학은 음악보다 가사를 우위에 놓는 것이었다. 이들은 음악의 기능이 가사의 극적인 의미를 강화시키는 데 있다고 믿었고, 그결과 모노디 양식이 탄생했다. 모노디는 원래 말의 리듬을 반영한 독창인 레치타티보와 그에 비해 선율적 성격이 강한 아리오소, 그리고 장식적인 노래인 아리아를 탄생시켰고 계속저음으로 반주되었다. 카메라타에서 고안된 모노디 양식 및 기법은 이탈리아 전역에 급속도로 전파되었고 이어 전유럽에 퍼졌다. 1620~30년대에 오페라 활동의 중심지는 피렌체에서 로마로 옮겨졌는데, 로마 오페라는 합창과 극적인 볼거리 춤이 여기저기 포함되었으며 칸초나 양식에 의한 서곡을 사용한 점 등이 특징이었다. 10년 정도 지나자 베네치아가 오페라의 중심지로 부상했고, 1637년 이곳에 최초의 대중 오페라 극장이 문을 열었다. 베네치아 오페라는 대중 취향의 영향을 받아 대중적인 노래와 극적인 볼거리, 팡파르와 같은 짧은 서곡 등과 같은 여러 가지 혁신들을 새로 도입했다. 또한 청중이 감동적인 선율을 원했기 때문에 아리아와 레치타티보가 명확히 구별되었다. 바로크 시대에 이탈리아에서 마지막으로 오페라 문화가 꽃핀 곳은 1670년대 나폴리였다. 나폴리의 오페라 세리아는 고대 역사나 신화에서 인물을 가져온 진지한 내용으로 이루어졌으며 100여 년에 걸쳐 유럽 오페라를 휩쓸었다. 오페라 세리아는 레치타티보와 아리아의 반복으로 이루어졌고 가수의 화려한 기교를 요구하는 것이 특징이었다. 그밖에 첫째 클라비어·오르간·류트로 간단히 반주되는 레치타티보 세코와 관현악단 전체로 반주되는 레치타티보 아콤파냐토가 구별되었다는 점과 둘째 이탈리아 서곡의 확립을 들 수 있다. 신포니아라 불리는 당시의 서곡은 3악장으로 구성되었으며 18세기에 교향곡으로 발전하게 되었다. 초기에 가장 커다란 영향을 끼친 나폴리 오페라 작곡가는 알렉산드로 스카를라티이다. 동시대에 이탈리아 이외의 나라에서는 오페라가 주로 궁정에 소개되었다. 1647년 루이지 로시의 〈오르페오 Orfeo〉가 파리에서 공연된 이후부터 이탈리아 오페라는 점차 프랑스의 중요한 극 형식인 발레와 섞이게 되었다. 그러므로 이후 프랑스 오페라에서 춤이 특히 중요한 요소로 작용한 것도 그다지 놀라운 일이 아니다. 바로크 시대 프랑스 오페라의 또다른 특징은 느린 악장과 빠른 악장으로 이루어졌고 종종 처음 느린 악장이 반복되는 프랑스 서곡이다. 이탈리아 서곡과 마찬가지로 프랑스 서곡은 이후 오페라에서 독립되어 독자적인 길을 걷게 되었다. 당시 프랑스 오페라의 대가는 장 바티스트 륄리와 그의 후임인 장 필리프 라모였다. 독일은 30년전쟁의 사회적·정치적 격동으로 프랑스에 비해 오페라 활동이 미온적이었는데 그것마저도 이탈리아 양식에 거의 전적으로 지배되었으며 함부르크·뮌헨·드레스덴·빈 등이 독일 오페라의 중심지였다. 영국에서는 음악극 형태인 가면극이 성행했는데 이 가면극은 점차 이탈리아 오페라와 섞이게 되었고, 그런 점에서 프랑스의 상황과 비슷했다. 18세기에 이탈리아의 오페라 세리아가 영국을 휩쓸기 전에 활동한 주요작곡가로는 헨리 퍼셀과 존 블로를 들 수 있다. 나폴리 오페라의 주도적인 작곡가들은 그밖에도 칸타타라는 양식을 확립하는 데 도움을 주었다. 독창과 기악반주에 의한 세속 성악곡에서 시작한 칸타타는 세속음악과 종교음악 사이의 양식적 차이가 줄어들자 빠른 속도로 교회음악용으로 바뀌게 되었고 이러한 현상은 특히 루터 교회의 예배음악으로 쓰인 독일에서 두드러지게 나타났다. 바로크 시대 기악음악의 형식과 악기는 전시대와 거의 동일했지만 새로운 악기가 부상함에 따라 이전 악기가 덜 쓰이게 되는 경우가 종종 있었다. 한 예로 극음악의 저음반주를 위해 계속 쓰이던 류트는 급속도로 하프시코드로 대체되었다. 교회에서 전통적으로 사용해오던 악기인 오르간은 옛 형태를 계속 발전시켜나갔다. 기악음악의 새로운 주요형태는 소나타와 협주곡이었는데 소나타라는 말은 원래 칸초나에서 유래된 기악합주곡을 지칭하는 말로, 이후 18세기 중엽부터 20세기까지 기악음악을 대변하는 악곡 형태로 발전하게 된다. 건반 소나타는 소규모 합주용으로 2성부 구조를 이루었고, 독립된 일련의 악장들(흔히 느림-빠름-느림-빠름의 순서)로 발전하게 되었다(→ 색인 : 실내 소나타, 교회 소나타). 이중 가장 중요한 형태는 트리오 소나타인데 2대의 바이올린(혹은 플루트나 오보에), 첼로, 계속저음을 담당하는 악기로 구성되었다 (→ 색인 : 트리오 소나타). 악기구성은 소나타와 같고 규모가 큰 경우에는 명칭을 달리했는데, 관현악 전체로 연주할 경우에는 신포니아(혹은 콘체르토), 소편성 독주악기들과 관현악이 교대로 연주할 경우에는 합주협주곡, 독주악기와 관현악이 교대로 연주할 경우에는 독주 협주곡(솔로 콘체르토)이라 불렀다 (→ 색인 : 합주협주곡). 협주곡의 기본 원리는 기악 편성 그룹들간의 대조와 짜임새의 대조였다. 바로크 시대를 통틀어서 건반악기 음악이 융성했다. 기악합주 음악은 실내악과 관현악 모두 이탈리아에서 가장 융성했고, 특히 볼로냐에서 꽃을 피웠다. 이탈리아 기악합주 음악은 당시 다른 유럽 작곡가들의 작품에도 영향을 끼쳤다. 바로크 시대의 절정은 요한 제바스티안 바흐(1685~1750)와 게오르크 프리드리히 헨델(1685~1759)의 작품을 통해 이루어졌다. 이 두 작곡가는 모두 독일의 비슷한 지역에서 태어나 루터 교회의 전통에서 자라났으며 또한 오르간 연주자로 활동했다. 그러나 이 둘은 여러 가지로 환경이 달랐기 때문에 각기 다른 영역에서 두각을 나타냈다. 헨델은 주로 극음악 작곡가로 명성을 날려, 특히 영국 활동 시기 이후에는 오페라와 오라토리오, 세속 칸타타를 많이 작곡했다. 반면 바흐는 평생 고용 음악가로 활동하던 교회의 영향을 많이 받았고 교육자로 헌신한 것에도 영향을 받아, 수난곡과 교회 예배용 칸타타, 예배용 오르간곡, 연습용 하프시코드곡 등을 다수 작곡했다. 헨델과 바흐의 작품은 기법으로 볼 때 모두 조성체계 확립의 절정을 이루었다. 한 조성에서 다른 조성으로 조바꿈이 가능해졌고, 특히 이것이 형식 구성의 원리로 사용되었다. 풍부한 반음계적 화성 어휘가 이러한 변화의 근거이자 또한 그결과였다. 출전 : [브리태니커백과사전 CD GX], 한국브리태니커, 2004 '서양음악사' 항목에서 |
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 [근대] 바흐 (두산) |
 [근대] 바로크음악 (한메) |
