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[근대] 고전파음악 (브리)
고전주의 기본적으로 낭만적인 속성을 갖고 있는 바로크 시대가 서서히 고전주의 시대로 바뀌는 과정에 불가피하게 옛 바로크 양식과 새로운 고전양식 사이에 중첩 현상이 나타났다. 18세기 후반의 사회적·정치적 배경은 어느 모로 보나 균형감 있고 고요한 '고전' 시대에 어울리지 않았다. 특히 당시 팽배해 있던 혁명정신과 제국주의적 식민정책과 새로운 예술사조는 좀처럼 서로 화합하지 않을 것 같았다. 그럼에도 혁명의 움직임은 음악에 직접 영향을 끼쳤는데, 이것은 '대중을 위한 음악'이 새로운 이상이 된 데에서 쉽게 짐작할 수 있다. 교양을 쌓지 않은 일반 대중은 얼마 전까지만 해도 궁정의 여흥 예술로부터 완전히 소외되었지만 이제 음악가들은 이들을 위해 음악을 만들게 되었다. 바흐가 여전히 복잡하고 현학적인 다성음악을 작곡하고 있던 즈음, 그의 아들들은 이러한 새로운 이상을 음악으로 실천하고 있었다. 프랑스 왕 루이 15세(그의 생활양식은 할아버지보다 훨씬 덜 형식적이었음)의 궁정에서 배양된 로코코 양식은 우아함·사소함·아기자기함을 표현의 이상으로 삼았다. 예술작품은 이제 미묘하고 장난스러우며 즐거움을 주는, 그래서 즉각 사람의 마음을 감동시키는 것이어야 했다. 로코코 양식이 프랑스적인 것이라면 독일의 새로운 예술양식은 감정과다 양식(empfindsamer Stil)이었다. 이 새로운 독일 양식은 로코코 양식에 대한 독일적인 반향으로 1750~60년대에 융성했고, 주도자는 요한 제바스티안 바흐의 아들인 카를 필리프 에마누엘 바흐였다. 그는 한동안 프리드리히 대제가 있는 베를린 궁정에서 지냈다. 연주자와 가능하다면 감상자까지 음악 자체의 감정적인 깊이를 심오하게 느끼는 것이 감정과다 양식의 가장 중요한 특징이었다. 프랑스인들이 가벼움·우아함·장식성에 매료되어 있었다면 독일인들은 감상성으로 대처했고, 이것은 흔히 웃음보다는 눈물로 조율되었다. 감정과다 양식보다 약간 늦게 나타난 다소 절제된 표현양식을 질풍노도운동(Sturm und Drang)이라 한다. 이 운동은 1770, 1780년대에 나타난 독일의 예술운동으로, 좀더 강렬한 개인 표현 의지를 표방했는데 이것은 다가오는 낭만주의 시대를 예고하는 특성이었다. 음악에서 고전주의를 바로크와 구별짓는 근본적인 변화들은 처음에는 로코코 이상으로 고무되다가 이내 고전주의자들에 의해 안정되었다. 음악사에서 처음으로 기악음악이 성악음악보다 중요하게 대두되기 시작했다. 관현악과 현악 4중주, 현악 3중주, 현악 5중주, 피아노 3중주 등 실내악들이 표준화되어 이전에 유행하던 종류가 다른 여러 악기들에 의한 트리오 소나타와 바로크 기악합주를 대체했다. 리듬 유형은 좀더 규칙적이고 단순해졌으며, 선율은 좀더 동기의 단위로 축소되었을 뿐 아니라 노래선율과 같은 가락의 형태를 갖추었고 또한 풍자적인 성격을 띠어 바로크 시대의 선율에서 볼 수 있던 길게 확장되는 음형양식과 대조되었다. 화성은 선율 다음으로 중요한 요소가 되었고, 일정한 화성 패턴이 으레 명확하게 조성 중심을 확립하는 데 사용되었다. 고전 양식의 중요한 특성 중 하나는 형식구조가 단순성과 명확성을 갖추게 되었다는 것이다. 주제 재료, 조성, 짜임새의 대조와 반복에 의해 악곡이 부분으로 나누어졌고, 변주 원리와 발전 원리(주제를 세분하고 확장·변경하는 기법)가 표준화 되었다. 음악 악구(프레이즈)는 갈수록 짧아졌고, 균형감을 갖추었으며 규칙적으로 되었다. 셈여림의 대조라는 새로운 개념이 형식의 명확성에 기여하는 한 요소가 되었다. 커다란 소리에서 나직한 소리로 또는 그 반대로 점차 변해가는 이른바 셈여림의 점진적 변화 개념은 표현적인 클라이맥스를 향해 악곡을 건축해나가는 데 극적인 수단을 제공해주었다. 셈여림의 변화와 관련된 또다른 발전이 관현악법과 악기 편성법에서 이루어졌다. 기악합주가 전보다 더 표준화되었음에도 불구하고 관현악 음악은 훨씬 더 색채감의 대비와 다양한 색채를 이룰 수 있었다. 고전주의 시대에 대부분 기악음악의 기초로 사용된 악곡 형태는 소나타였다. 여러 악장으로 된 대규모 악곡인 소나타는 바로크 시대에 여러 선조 형태에서 발전한 것이다. 그중 특히 이탈리아 서곡과 합주 협주곡이 소나타를 낳는 데 직접적인 모태가 되었다. 소나타는 연주 매체에 따라 교향곡, 협주곡, 현악 4·6·3중주 등으로 불리기도 하며, 때로는 독주곡 또는 하프시코드나 피아노로 반주되는 단일 악기를 위한 곡(실제로는 2중주)을 나타내는 말로만 쓰이기도 했다. 소나타는 처음 3악장이었지만, 미뉴에트 악장이 중간에 삽입되어 같은 4악장 형식으로 표준화되었다. 가장 중요하고 영향력있는 소나타 형태는 교향곡이었다. 원래 17세기에 신포니아라는 용어는 다양한 종류의 기악음악을 가리켰고, '소나타'라는 용어 역시 일정하게 정의내리기 어려울 정도로 모호하게 사용되었다. 17세기말에 이르러 신포니아라는 용어는 3악장 형식으로 된 이탈리아 오페라 서곡을 나타내는 데만 사용되었고, 18세기 중엽에는 오페라 서곡이 연주회장에서 독립적으로 연주되기 시작했다. 마지막 두 악장 사이에 미뉴에트 악장을 새로 끼워넣음으로써 고전 교향곡의 전형이 만들어졌다. 바로크 시대가 끝나면서 갓 꽃피우기 시작한 로코코 양식과 감정과다 양식의 새로운 이상을 추구하는 정력적인 주창자들이 밀라노·빈·만하임 등에서 활동하게 되었다. 1730년대에 밀라노에서는 조반니 바티스타 삼마르티니가 25편 가량의 교향곡을 작곡했다. 거의 같은 시기에 빈의 젊은 작곡가들은 이 새로운 장르(교향곡)를 가지고 여러 실험을 함으로써 이후 빈의 거장(하이든·모차르트·베토벤을 비롯해 빈에서 활동한 일련의 고전주의·낭만주의 작곡가)들에게 토대를 제공했다. 가장 유명하고 영향력있던 그룹은 팔츠 지방의 선제후 카를 테오도르가 운영한 만하임 궁정 관현악단이었다. 이 관현악단은 1740년대 요한 슈타미츠가 감독으로 처음 활동하기 시작했으며 그가 실험을 꾀한 다양한 셈여림기법(크레셴도[점점 크게], 디미누엔도[점점 여리게], 스포르찬도[갑자기 세게] 등), 동성음악적 짜임새에 의한 제1바이올린의 기교적 악구, 트레몰로 등의 극적 효과 등은 만하임 악파의 중요한 특성으로 당대 유럽에 널리 알려졌고, 이후 아들인 카를 슈타미츠와 빈의 후대 작곡가들에게 원형이 되었다. 이 시대에 확립된 관현악 편성은 바이올린 그룹, 비올라 그룹, 첼로 그룹, 더블 베이스 그룹, 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 바순, 2개의 프렌치 호른, 2개의 팀파니(축제 행사에는 트럼펫) 등으로 이루어졌다. 그러나 이러한 관현악 편성은 우여곡절을 거친 점차적인 변화에 의한 것이었다. 특정 악기를 연주할 줄 아는 사람이 있으면 그 악기를 음악에 넣었고, 그런 사람이 없으면 그 악기를 뺐다. 또한 후원자의 유무도 중요한 요소가 되었다. 물론 이전부터 거의 200년에 걸쳐서 소규모 기악합주 음악이 융성했지만, 18세기 후반에 이르러서야 이른바 실내악이 본격적으로 확립되었다. 실내악은 연주자 한 사람이 한 성부씩을 맡아서 연주하는 소규모 기악 편성을 말한다. 바로크 시대의 트리오 소나타를 대신해서 가장 인기를 누렸던 고전 합주는 4개의 현악기(바이올린 2개, 비올라 1개, 첼로 1개)들로 구성되었으며 이들을 위해 씌어진 소나타곡을 현악 4중주라 불렀다. 그밖에 인기있던 실내 합주는 현악 3중주(바이올린·비올라·첼로 또는 바이올린 2개와 첼로 1개), 피아노 3중주(바이올린·첼로·피아노)를 들 수 있다. 이 시대에 가장 중요한 형식으로 대두된 건반 독주 소나타는 부분적으로 당시 새롭게 출현한 부유한 중산층인 아마추어 연주자들의 증가에 힘입은 결과이다 (→ 색인 : 건반악기). 요한 제바스티안 바흐의 아들들, 도메니토 파라디시, 하이든, 모차르트 등의 소나타는 2부분 형식의 바로크 시대 단악장 소나타로부터 새로 표준화된 고전 3악장 소나타로의 변천을 반영해준다. 그러나 베토벤 시대까지는 4악장 형식이 보편화되지 않았다. 모차르트와 동시대 작곡가인 무치오 클레멘티는 피아노 독주를 위한 소나타를 60곡 이상 작곡했고, 피아노와 바이올린 또는 피아노와 플루트를 위한 소나타를 30여 곡 작곡하여 피아노곡 작곡양식에 지대한 영향을 주었다. 소나타가 이 시대의 가장 중요한 기악음악 형식인 것은 분명하지만 이밖에도 여러 다른 유형들이 발전했다. 디베르티멘토· 세레나데· 케세이션· 노투르노라고 불린 모음곡 형식의 작품들은 관현악이나 실내 합주를 위해 씌어진 것으로, 교향곡·협주곡·소나타 등과 같이 주의깊은 감상을 요하는 진지한 작품들과는 달리 가벼운 오락거리로 인기가 높았다. 이들은 대체로 합주 악기들의 종류가 일정하지 않을 뿐 아니라 명시되지 않은 경우도 있었다. 악장의 수·유형·배열 역시 융통성을 보여 3~10악장까지 다양했고, 춤곡 형식으로 되어 있는가 하면 소나타에 적합한 형식으로 되어 있기도 했다. 소나타는 아니지만 독주악기(특히 건반악기)를 위한 곡들에도 이 명칭들을 사용했는데, 가장 대중적인 소규모 독주 형식은 변주곡·춤곡·행진곡·환상곡 등 소품들이었으며 이들은 소나타의 한 악장에 포함되는 경우도 많았다. 오르간 작품은 1750년 요한 제바스티안 바흐의 죽음 이후로 갑자기 그 수가 줄어들었다. 바로크 오페라와 고전 오페라의 차이는 바로크 기악음악과 고전 기악음악의 차이보다는 뚜렷하지 않았다. 이것은 오페라의 경우 음악적 관심이 집중된 독창이 이미 고전주의 이전부터 선율 위주에 의한 화성적 짜임새로 되어 있었기 때문일 것이다. 18세기에 오페라 양식이 그다지 큰 변화를 보이지 않은 또다른 이유는 나폴리의 오페라 세리아가 계속 인기를 누렸기 때문이다. 륄리 라모의 전통이 지배적이던 파리에서조차 이탈리아 오페라 극장의 인기는 높았다. 물론 시간이 지남에 따라 쇠퇴하고 있던 나폴리 오페라는 희가극에서의 민족주의적 반발에 부딪혀 자체적인 개혁의 기운이 일고 있었으나 나폴리의 오페라 세리아 전통은 계속되었고, 그결과 18세기말은 어느 때보다도 오페라 작곡이 활기를 띤 시기였다. 나폴리 오페라 세리아의 주요특성들을 살펴보면 왜 이것이 오늘날 거의 감상되지 않는지를 알 수 있는데 그 이유는 이 작품들이 아주 정형화된 형식과 인위적이고 지나치게 복잡한 줄거리로 되어 있기 때문이다. 대체로 6명의 주인공들이 나오는데, 이중 반은 남성, 반은 여성이었다. 남성 역이건 여성 역이건 간에 이중 몇 명은 카스트라토(거세한 남성 소프라노 또는 콘트라 알토)가 맡았다. 각 인물들에게는 표준화된 일련의 아리아들이 할당되었다. 자연히 행동(극의 움직임)이 아리아에 의해 끊겨 극 전체의 연속성을 해치게 되고, 음악적 고려 때문에 극이 손상되었다. 가수와 아리아가 오페라 전체에서 관심의 초점이 되었고, 파를란도(말의 리듬을 사용하는 가창법) 레치타티보는 음악적으로 거의 중요하지 않았다. 합창은 거의 사용되지 않았고 관현악 역시 부수적인 반주를 제공하는 것 이외에는 거의 중요한 기능을 담당하지 못했다. 1720년대부터 이러한 나폴리 오페라 세리아 양식의 부자연스러움과 쇠락성에 대해 반기를 드는 움직임이 일기 시작했지만 상당 기간 동안 실제로 커다란 변화가 일어나지는 않았다. 오페라 개혁운동의 절정은 크리스토프 빌리발트 글루크였는데 그는 1740년대 당시 새롭게 인기를 누리게 된 고전음악 양식으로 20여 편의 오페라를 작곡했다. 그는 오페라 안에 있는 극적 요소와 음악적 요소를 모두 강화시켜, 과도한 성악적 기교의 과시를 과감하게 삭제하고 감정적 또는 극적 상황에 맞는 음악을 만들었다. 글루크의 오페라 개혁으로 오페라는 고전주의의 단순성을 향해 나아가게 되었고, 이 단순성은 그와 모차르트의 작품에서 그 절정을 이루었다. 기존의 나폴리 오페라를 위협한 또다른 도전은 가볍고 감상적이며 종종 풍자적·시사적 주제를 많이 사용하여, 당시 사회 변화를 그리거나 오페라 세리아를 풍자한 희가극의 출현이었다. 희가극의 음악은 연주하기 쉽고 감상하기 쉽도록 흥겹고 편한 가락으로 17세기에 나타나기 시작했지만, 18세기 전반 이탈리아의 오페라 부파에 이르러서야 그 독자적인 위치를 확립했다. 오페라 부파는 동시대인 1750년대초에 발전한 프랑스의 오페라 코미크와 한데 맞붙어 유명한 '부퐁 논쟁'을 일으키게 했다. 부퐁 논쟁은 오페라 부파를 공연하는 이탈리아의 순회 오페라 극장이 파리에서 영웅을 소재로 한 프랑스 작곡가 라모의 오페라보다 더 큰 인기를 얻는 데에서 비롯되었으며 두 오페라의 가치를 놓고 당대 프랑스의 유명한 음악가·문필가들이 두 진영으로 나뉘어 논쟁을 벌였다. 영국에서는 발라드 오페라가 발전했는데, 이것은 1728년 〈거지 오페라 The Beggar's Opera〉로 시작해서 오페라 코미크와 비슷한 시기에 비슷한 양식으로 발전했다. 독일의 징슈필은 영국의 발라드 오페라를 번역·모방하던 관습에서 출발한 독일의 희가극으로 빈의 징슈필은 이탈리아 양식의 영향을 크게 받았고, 모차르트의 〈후궁으로부터의 도주 Entführung aus dem Serail〉·〈마적 Die Zauber-Flöte〉에서 정점에 달했다. 모차르트는 이밖에도 〈피가로의 결혼 Le Nozze di Figaro〉·〈여자란 다 그런 것 Così fan tutte〉·〈돈 조반니 Don Giovanni〉 등을 통해 전통적인 이탈리아 오페라 양식에서도 새로운 기원을 이룩했다. 출전 : [브리태니커백과사전 CD GX], 한국브리태니커, 2004 '서양음악사' 항목에서 |
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