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[근대] 낭만주의음악=낭만파음악 (브리)
낭만주의 음악 음악 낭만주의 음악은 독창성, 개성, 개인적인 감정의 표현, 실험정신이 가미된 자유로운 형식이 두드러진다 (→ 색인 : 서양음악사). 루트비히 판 베토벤과 프란츠 슈베르트는 고전주의와 낭만주의를 잇는 교량이었으며 그들의 기법은 기본적으로 고전주의 양식이었지만, 강렬한 개인적 감정과 표제적 요소는 19세기 낭만주의 작곡가들에게 중요한 본보기가 되었다. 또한 리트[歌曲], 야상곡(夜想曲), 간주곡, 카프리치오[奇想曲], 전주곡 및 마주르카 같은 새로운 음악형식이 등장함에 따라 음악의 극적인 표현력이 크게 향상되었다. 낭만주의적 정신은 시와 전설 및 민간 설화에서 영감을 얻었고, 문학과 음악을 표제음악이나 서곡, 부수음악 같은 형식으로 연결시키는 것이 낭만주의 음악의 두드러진 특징이다. 낭만주의 초기의 주요 작곡가는 엑토르 베를리오즈, 프레데리크 쇼팽, 펠릭스 멘델스존, 프란츠 리스트였다. 이들은 오케스트라의 표현력을 최대한으로 확대하고, 반음계를 온전히 이용하기 위해 화성의 수를 늘렸으며, 악기와 사람의 소리를 조화시키는 방법을 연구했다 (→ 색인 : 악기편성법). 낭만주의 음악의 중기 단계를 대표하는 작곡가는 안토닌 드브르자크, 에드바르트 그리그, 표트르 일리히 차이코프스키이다. 음악을 통해 민족의 독특한 정서를 표현하려는 낭만주의의 노력은 체코슬로바키아의 안토닌 드보르자크, 베드르지흐 스메타나를 비롯하여 러시아, 프랑스, 스칸디나비아 반도의 여러 작곡가들의 작품에 드러나 있다. 독일 낭만주의 오페라는 카를 마리아 폰 베버의 작품으로 시작된 반면, 이탈리아에서는 가에타노 도니체티와 빈첸초 벨리니, 조아키노 로시니 같은 작곡가들이 발전시켰다. 이탈리아 낭만주의 오페라를 수준 높게 끌어올린 사람은 주세페 베르디였다. 독일 낭만주의 오페라는 리하르트 바그너의 작품에서 절정에 이르렀다. 낭만주의 음악의 마지막 단계를 대표하는 작곡가로는 19세기말과 20세기초에 활동한 구스타프 말러, 리하르트 슈트라우스, 에드워드 엘가, 얀 시벨리우스 등이 있다. 참고문헌 서양음악사 : H. M. 밀러, 세광음악출판사 편집부 역, 세광음악출판사, 1989 서양음악사 : D. J. 그라우트, 서우석 역, 심설당, 1988 낭만파의 음악 : 리델 요하네스, 김범수 역, 세광음악출판사, 1988 출전 : [브리태니커백과사전 CD GX], 한국브리태니커, 2004 '낭만주의' 항목에서 낭만주의 19세기초의 음악양식 및 미학적 조류는 낭만주의로 표현될 수 있다. 낭만주의라는 말은 18세기말 독일문학에서 비롯되었으며, 1813년 스위스 태생인 프랑스의 작가 스탈 부인은 이 새로운 운동을 "토양, 종교, 지배적 사회집단들에서 유래하는 독창적·민족적·근대적·대중적인 운동"으로 정의했다. 음악에서 낭만주의는 감정의 과잉성, 주관성, 개인민족주의, 특정한 주제에 대한 선호 등을 특징으로 한다. 감정의 과잉성은 극도로 개인적인 느낌을 드러내는 센티멘털리즘을 반영하는데 이러한 경향이 19세기 음악의 주된 특징이었다. 또한 고전주의 시대의 형식성 대신 주관성이 중요시됨에 따라 충동과 영감이 작곡가나 연주자가 음악을 만드는 가장 중요한 동기가 되었고 청자의 반응 역시 지적이라기보다는 감각적인 것이었다. 주관성에 밀접하게 관련된 개인주의는 이 시대 작곡가의 자기 중심적 표현과 작곡가의 가장 개인적인 생각과 느낌이 예술의 궁극적 메시지라는 확신을 반영한다. 또한 18세기를 주도한 보편적인 음악양식과는 대조적으로 19세기 음악에서는 민족적 기원이 중시되었다. 자신이 속한 나라의 독특한 특성을 인식하고 이러한 특성들을 드러내고 강조하여 꽃을 피우고자 한 민족주의가 낭만주의의 중요한 부분이 되었던 것은 부분적으로 사회적·정치적 발전의 한 결과이기도 했다. 낭만주의 시대 작곡가들이 작품을 통해 표현하고자 했던 이러한 생각과 그 성향들은 가사로 주제를 명료히 전달할 수 있는 성악음악에서 가장 명료하게 나타났지만 기악음악에도 충분히 표현되어 있어서, 민족의식과 기이한 것, 중세 이야기나 전설 등의 환상에 대한 낭만적 매료를 쉽게 감지할 수 있다. 19세기 동안 음악 기법과 재료들은 감정적이고 극적인 표현의 이상을 지향하는 새로운 원천들에 의해 급속도로 풍부해졌다. 이 시대에 인기있던 음악 장르는 관현악, 피아노, 피아노 반주가 곁들여진 독창 노래, 오페라 등을 들 수 있고, 반면 실내음악과 합창음악은 상대적으로 인기가 덜했다. 이따금 박자의 불규칙성을 실험했고, 리듬을 음악의 표현성을 위한 가장 효과적인 수단으로 인식했다. 강한 리듬 에너지와 템포의 가속화로 음악은 강력한 힘을 얻을 수 있었고, 느린 템포로 움직이는 흐느적거리는 듯한 리듬 패턴으로 명상적이고 우수에 찬 분위기를 나타냈다. 성악의 경우 길고 서정적인 가락이 이상적인 선율형이 되었고, 기악에서는 악기들의 새로운 관용어법이 계속해서 개발되었는데, 이 두 경우를 모두 지배하는 원리는 작곡가 혹은 연주가의 주관을 얼마나 잘 표현할 수 있느냐 하는 표현성에 있었다. 19세기 전체에 걸쳐 반음계주의와 비화성음의 사용이 점차 증가함으로써 화성 어휘가 확대되고, 조성 설계에 많은 융통성을 꾀할 수 있게 되었다. 발전부에서 대위법이 중요한 역할을 맡기는 했지만, 음악적 관심이 주로 선율과 화성에 모아졌기 때문에 짜임새도 자연히 동성음악적 짜임새가 주를 이루었다. 과거에 대한 탐구적 태도와 색다른 음악적 효과에 대한 관심으로 푸가와 그밖에 다른 모방 기법들을 사용하기도 했지만 대체로 작곡가들은 좀더 직접적이고 즉각적인 표현을 추구했기 때문에 고유한 전통과 관습이 내재한 전통적인 다성음악 형식들을 무시하는 성향이 있었다. 종종 고전주의와 낭만주의의 차이를 강조하기 위해 형식성에 대한 낭만주의자들의 혐오를 지나치게 과장해온 것이 사실이다. 소나타 알레그로 형식이나 론도 형식과 같은 확립된 형식들은 여러 가지로 변형·확대되었지만 음악적 일관성은 통일성과 다양성의 신중한 균형을 요구했으므로 19세기에 작곡된 대부분의 작품들은 이전 시대의 작품과 마찬가지로 여전히 어느 정도 명확한 악장 구분, 변주, 발전 등의 형식을 지키고 있었다. 다만 강조점과 규모에서 새로운 변화가 일었는데, 예를 들어 과거 고전주의 시대의 교향곡이 20~30분 정도의 길이였는데 반해 이제 새로운 교향곡들은 거의 1시간에 가까운 긴 길이로 작곡되었다. 표현성의 또다른 양상은 기악의 색채감과 다양성인데 관현악단의 규모가 확대되고 새로운 음향을 추구하는 당시의 경향에 의해 가능하게 되었다. 고전주의에서 낭만주의로 넘어가는 중간에 걸쳐 있는 야누스 같은 인물은 베토벤이다. 그는 자신의 인격과 성품이 자신이 작곡한 음악 유형과 양식에 중대한 영향을 끼친 최초의 작곡가였으며 당시 우세하던 혁명적 힘에 감화되어, 자신을 자유로운 예술의 집행자로 선언함으로써 어떤 후원자에게도 충성과 의무를 다하지 않았다. 그의 초기 작품은 주문 생산되던 18세기 음악의 관행대로 재정적 보상을 위해 작곡되었지만, 대략 1820년경 이후에 작곡된 후기 작품들은 개인적인 독립을 선언하고 상상력과 영감에 의해서만 작곡된 작품들이다. 이로써 베토벤은 바로 그를 이어 활동한 낭만주의 작곡가들에게 개성·주관성·감정 표현이라는 규범을 제시했다. 그러나 그의 작품을 전체적으로 보면 19세기적이라기보다는 아직 18세기적인 취향이었다. 무엇보다도 낭만주의자들이 앞으로 적극 개발하게 될 극적·서정적 형식들보다는 기악음악의 절대 형식들에 그가 더 많은 관심을 가졌다는 점이다. 교향곡, 실내악(특히 현악 4중주), 피아노곡(소나타 32곡 포함)을 많이 작곡했고, 이에 비해 오페라·오라토리오·미사곡은 각기 1곡씩밖에 작곡하지 않았으며, 그밖에 가곡이나 동성음악 합창곡도 그다지 많이 작곡하지 않았다. 극적 성격의 성악곡에 무관심한 그의 성향은 역시 고전적인 그의 일면을 반영한다(물론 그의 기악곡들에 명백히 나타나 있는 표현 변화들은 낭만주의의 선두주자로서 베토벤의 면모를 잘 보여주기도 함). 오페라는 19세기 동안 줄곧 발전을 거듭했고, 19세기 초반 이탈리아 오페라가 여전히 지배적인 위치를 차지했다. 글루크의 오페라 개혁은 물론 아주 눈에 띄는 발전을 이루었지만 원래 이탈리아 오페라가 갖고 있던 고유한 특성들은 유지되었고, 따라서 다른 나라의 오페라 양식들과 계속 구별되었다. 낭만주의 시대에 이탈리아 오페라를 새로운 차원으로 올려놓은 사람은 주세페 베르디(1813~1901)인데 그의 오페라들은 오늘날에도 가장 많이 연주된다. 19세기말 사실적이고 시사적인 내용의 이른바 '베리스모'오페라가 루제로 레온카발로, 피에트로 마스카니, 자코모 푸치니 등에 의해 만들어졌다 (→ 색인 : 베리스모). 한편 독일 오페라는 1821년 카를 마리아 폰 베버의 〈마탄의 사수 Der Freischütz〉 공연을 시작으로 전형적인 낭만적 주제와 표현성을 개발했다. 튜튼족 신화와 중세 전설에 기초한 이 작품은 자연의 신비성을 부각시켰는데, 이것은 이후 독일 오페라의 중요한 특성으로 남게 되었으며 좀더 현실적인 소재에 의한 이탈리아 오페라와 쉽게 구별되었다. 독일 낭만주의의 이상을 악극의 형태로 완성시킨 사람은 리하르트 바그너이다. 그의 음악극에는 연극, 음악, 무대 디자인, 연기 등 무대 위의 모든 양상들이 하나의 순수예술적 표현물 속에 혼합되었는데, 적어도 이론상으로는 이중 어떤 한 요소도 다른 요소들보다 더 우세하지 않았다(이것은 이탈리아 오페라에서 노래가 다른 요소들보다 우세한 현상과 대조됨). 이탈리아에서는 베르디 이후 베리스모 오페라 작곡가들이 대두한 반면, 독일에서는 바그너 이후 그를 계승하거나 대신할 만한 다른 오페라 작곡가가 부상하지 못했다. 바그너의 오페라 개혁은 연극 요소에 비해 음악 요소가 지나치게 강조된 기존 오페라에서 벗어나 연극과 음악 간의 새로운 균형을 꾀한 시도로, 이후 리하르트 슈트라우스부터 현재까지 독일 오페라의 일관된 특성이 되었다. 18세기말 이후 19세기까지 오페라의 중심지였던 파리에서 프랑스의 본토 작곡가들은 글루크가 이탈리아 오페라에서 이룬 혁신과 독일 오페라의 새로운 발전에 민감하게 반응했다. 1829년 로시니의 〈기욤 텔 Guillaume Tell〉에서 시작한 프랑스의 그랑 오페라는 1830~40년대 자코모 마이어베어의 오페라에서 발전의 정점에 도달함으로써, 19세기 전반부에 만들어진 음악극 중 가장 화려하고 장엄한 볼거리를 제공했다. 19세기 후반에는 오페라 코미크와 그랑 오페라의 특성이 결합되어 오페라 리리크를 만들어냈다. 오페라 코미크는 오페레타라고 하는 또다른 장르를 낳아 20세기의 뮤지컬(뮤지컬 코미디)로까지 발전하는 기초가 되었다. 민족주의적 열성으로 말미암아 러시아·보헤미아·스칸디나비아 등지에서도 고유한 민족양식의 오페라들이 발전했다. 베토벤의 9개 교향곡에서 발전의 정점과 전환점을 동시에 이룬 관현악 음악은 이후 19세기에 두 방향으로 발전되었다. 하나는 고전 형식을 고수한 보수적 기질의 작곡가들이 이룩한 절대음악적 발전이었고, 또 하나는 극적 내용, 색채, 표현성의 새 영역을 추구한 혁신적인 작곡가들이 만든 표제음악적 발전이었다. 보수 성향의 작곡가들조차도 형식과 관현악 편성을 크게 확대시켰지만, 관현악곡 중 교향곡은 고전주의 시대에 비해 훨씬 덜 작곡되었다. 진보적인 작곡가들은 낭만주의 시대의 취향과 이상을 대변하는 새로운 음악 유형으로 새롭게 연주회용 서곡, 교향시, 교향적 모음곡, 교향적 변주곡 등을 발전시켰다. 연주회용 서곡은 대개 소나타 알레그로 형식으로 되어 있고, 회화적인 주제로 인물이나 장소, 극적 상황 등을 암시하도록 했다(종종 표제가 이러한 암시작용을 도움). 멘델스존의 〈헤브리디스 Hebrides〉서곡과 브람스의 〈비극적 서곡 Tragic Overture〉(1880 완성) 등이 대표적인 작품들이다. 한편 일찍이 엑토르 베를리오즈의 〈환상 교향곡 Symphonie fantastique〉(1830 완성)에서 그 조짐을 보인 교향시는 19세기 중엽 프란츠 리스트에 이르러 대개 1악장으로 되어 있고, 시나 이야기 줄거리 등과 같이 음악 외적 내용에 기초한 관현악 작품의 형식이 비롯되었다. 성공하지는 못했으나 순수음악적 수단으로 외부의 사건과 태도, 현상을 기술하려는 여러 시도가 이루어짐으로써 리하르트 슈트라우스의 교향시 이후 20세기초에는 연주회용 서곡과 교향시의 형식이 무너지는 결과를 초래했다. 교향적 모음곡은 다음과 같은 3가지 뚜렷한 유형으로 나뉘었다. 18세기 무용 모음곡, 디베르티멘토, 세레나데 등의 발전 형태, 서로 관련된 표제로 묶이는 여러 악장으로 구성된 교향시가 확장된 형태, 발레 같은 무대물에서 사용된 부수음악의 발췌 형태 등으로 림스키코르사코프의 〈셰헤라자데 Scheherazade〉는 이중 2번째 유형에 속하고 차이코프스키의 〈호두까기 인형 Nutcracker Suite〉은 3번째 유형에 속한다. 18세기 중엽 이후 교향시나 협주곡의 한 악장으로 계속 사용된 변주곡은 19세기의 마지막 25년 동안에는 세자르 프랑크의 〈변주 교향곡 Variations symphoniques〉(1885)처럼 독립된 관현악곡으로 작곡되었다. 이 시대에는 요한 슈트라우스의 왈츠와 같이 대중적인 관현악곡이 발전하기도 했다. 물론 낭만주의라는 큰 테두리 속에서 이루어진 것이지만 관현악곡에서 가장 명백하게 고전주의 형식과 모델을 고수한 작곡가는 루트비히 판 베토벤, 프란츠 슈베르트, 로베르트 슈만, 요하네스 브람스, 안톤 브루크너 등이었고, 그 반면 극단적이고 혁신적인 낭만주의 음악을 실천한 작곡가는 엑토르 베를리오즈, 프란츠 리스트, 구스타프 말러, 리하르트 슈트라우스 등이었다. 제3의 낭만주의 음악집단은 민족음악 작곡가들인데 이들은 기악음악에 대한 독일의 지배 현상에 반발했고, 또한 그 시대의 사회적·정치적 발전상을 그대로 반영했다. 이들은 보수 진영의 특성과 진보 진영의 특성을 모두 수용하고 여기에 민족적 특성을 가미했다. 민족주의 음악운동은 헝가리·폴란드·스페인·영국 등지에서도 결실을 보았지만, 가장 민족적 성향이 강한 곳은 러시아·보헤미아·스칸디나비아였다. 러시아의 '러시아 5인조'는 세자르 큐이, 밀리 발라키레프, 알렉산드르 보로딘, 모데스트 무소르크스키, 니콜라이 림스키코르사코프로 구성되었다. 보헤미아에는 베드르지흐 스메타나와 안토닌 드보르자크가 활동했으며, 스칸디나비아에서는 에드바르드 그리그, 카를 닐센, 얀 시벨리우스가 활동했다. 카미유 생 상스, 세자르 프랑크, 뱅상 댕디 등을 비롯한 프랑스 작곡가들도 독일 음악에서 독립하려 했다는 점에서 앞선 나라의 작곡가들과 같은 동기를 갖고 있었지만, 이들은 뚜렷한 민속음악적 재료를 사용하지 않고 이전부터 줄곧 서양음악의 본류에 속해왔다는 점에서 러시아나 동유럽의 경우와 다소 성격이 다르다. 낭만주의 시대에 피아노 음악은 이 악기의 기술적 발전에 힘입어 큰 인기를 누렸다. 피아노가 이처럼 인기를 누릴 수 있었던 데는 새롭게 부를 누리게 된 중산층이 여흥과 오락거리가 필요했다는 점도 지나칠 수 없다. 낭만주의 작곡가들은 당시 사람들의 취향에 부합하여 표현적인 '성격'을 가진 작은 '소품'(→ 성격 소품)들을 많이 작곡했는데 이 작품들은 대단한 인기를 누렸으며, 독립된 곡 또는 연작 등의 형태로 작곡되었다. 양식화된 춤곡도 계속 인기를 누렸지만, 이전 시대의 미뉴에트 대신 폴로네즈나 마주르카, 왈츠를 비롯한 민족적 유형이 많이 만들어졌다. 소나타는 여전히 진지한 작곡가들의 주된 관심사가 될 수 있었고, 또한 변주곡 모음도 계속 꽃을 피웠다. 베토벤 이후 피아노 음악에서 두각을 나타낸 작곡가로는 쇼팽·슈만·리스트·브람스 등을 들 수 있지만, 사실 당시 낭만주의 작곡가들은 거의 대부분 피아노 음악에 관심을 갖고 있었다. 피아노 악기에 의한 성격소품에 해당하는 성악곡은 피아노 반주가 붙은 독창이었다. 19세기초 괴테·실러·하이네 등을 비롯한 독일 낭만파 시인들의 시가 부상함에 따라 특히 독일에서 리트가 꽃을 피웠다. 1850년 이후 다른 나라의 작곡가들, 특히 프랑스와 러시아 작곡가들 역시 널리 인기를 누린 성악곡들을 많이 작곡했다. 리트 영역의 개척자로서 가장 많은 작품을 작곡한 사람은 슈베르트인데, 그는 짧은 생애 동안 무려 600여 곡을 작곡했다. 슈베르트를 이은 리트 작곡가들을 연대순으로 나열하자면 카를 뢰베, 멘델스존, 슈만, 브람스, 후고 볼프, 리하르트 슈트라우스 등이다. 빈의 위대한 실내악 전통은 베토벤의 작품에서 정점에 이르렀고, 슈베르트가 세상을 떠난 뒤 한동안 침체기를 맞았다. 실내악은 고전주의 음악의 이상이던 간결성·통일성·균형 등의 특성에 가장 잘 부합되는 장르였지만 낭만주의의 본질에는 그만큼 멀리 있었다. 낭만주의 작곡가들 중 낭만적 성향이 특히 강했던 사람들은 기악곡을 쓸 때 관현악의 색채 효과와 표현 가능성에 가장 많은 관심을 기울였는데, 실내악은 이러한 관심을 표현하는 데 적합하지 못했다고도 볼 수 있다. 물론 낭만주의 시대에도 실내악이 작곡·연주되었지만, 18세기에 누렸던 인기는 결코 얻지 못했다. 실내악에 비교적 관심을 많이 쏟았던 작곡가들은 쉽게 짐작할 수 있듯이 멘델스존·슈만·브람스 등과 같이 보수적 성향의 작곡가들이었다. 극음악이 대두된 이래로 오페라 하우스와 교회에서는 어느 정도 동일한 음악 어휘 및 양식을 사용했지만, 19세기에는 교회에서 사용하느냐 연주회장 같은 세속 장소에서 사용하느냐 하는 사회적 기능에 따라 음악어법도 구별되었다. 교회에서 사용한 음악은 대체로 보수적이었던 반면(이러한 성향은 특히 팔레스트리나를 재발견하고 체계적 연구를 통해 그레고리오 성가를 재해석하면서 더욱 두드러짐), 수많은 아마추어 합창단체들을 위해 작곡된 칸타타와 대중적 세속 합창들은 여러 가지 새로운 기법을 사용했다. 오라토리오와 같이 연주회장이나 교회 등지에서 연주한 종교 가사에 의한 음악에서는 이 두 양식이 융합되기도 했다. 진혼 미사는 생생한 극적 내용을 갖추고 있었고 그만큼 낭만주의 시대 작곡가들에게 커다란 매력이 되었는데, 특히 베를리오즈와 베르디의 작품은 오늘날까지도 당시 오페라들과 함께 강렬한 감정적 호소력을 발휘하고 있다 (→ 색인 : 진혼곡). 출전 : [브리태니커백과사전 CD GX], 한국브리태니커, 2004 '서양음악사' 항목에서 |
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 [근대] 사실주의=리얼리즘 (민족) |
 [근대] 낭만주의음악=낭만파음악 (한메) |
